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第十一學期學習曲目 + 筆記 : 2015.3 - 2015. 7

 小編筆記:

1) 連愛因斯坦都犯的錯,肯定不小
別忘了 "休止符" 也是音樂的一部份,它的重要性不亞於有音高的音符。因此,就算是放在樂曲的最後,都該忠實地把它 "演奏" 完畢,才算圓滿。
 
2) 難或不難,是一種精神能量,重點不在操作上
勉強又奮力的賣力操作,顯得狼狽,有失優雅。所以,心理上不以 "難" 自我阻礙,應去除 "難" 的心理障礙。
 
3) 音符串的 Leader
La-Ti-Do-La 這四個連音,要以第一個 La 當頭 (給它多點弓長),每一個連音字串的頭,tutti 要齊奏在一起,整齊劃一,秘訣就是 follow the leader - 等待 Leader 一起出發。
 
4) 數拍子
這是基本的,不過,多數人沒有實踐它。 XDDD
 
5) 到底本曲是 4/4 拍 or 2/2 拍?
音樂解讀隨著時日而有不同。廿世紀中葉與廿世紀後期或廿一世紀,因科技與步調的改變,對音樂的詮釋 (包括速度的定義) 也隨之改變。本曲在葛羅米歐演奏及 Hilary Hahn 演奏下,前者以 4/4 拍較慢 ; 後者以 2/2 拍較快。而巴洛克演奏法,接近 2/2 拍的速度,在這個速度感之下,要輕快,弓也要用的少。
https://www.youtube.com/watch?v=_GFyAUyu-rw Hilary Hahn

1) 作曲家的音樂本質 v.s. 小提琴家的 "體臭"
時常,我們研究一個曲目,發現對圓滑線的處置有些不易理解之處,時有發現那是小提琴家為了解決操作技巧所做的特殊處理。拿掉那些特殊處理後,有時與原稿相去不遠。
 
2) 弓的等待
當弓在弦上操作 (例如: 本曲的第 53 小節的 Do-Me-So),盡量讓弓壓低並在弦上方,停留時間避免弓尖指向天花板方向。

1) 焦點
分析或演奏樂句時,要先明白樂句的起頭,或者,找到 "焦點"。凡成為 "焦點" 的,會給予較集中的操作能量。
 
2) 強弱法之 subito piano (sp)
本曲有註記多處的 subito piano,必須立即地變弱/柔/輕。
 
3) 避免錯誤的音樂表現
例如: 第一小提琴的第 4 小節第 3 個音 Ti 的操作,應如同前面的 Ti 的操作法,避免在此時刻意拉長或加重發音。
 
4) 圓滑線練習技巧
本曲有多處圓滑線,練習時,應先分弓練習,確保每個音的音高與音色,熟習後再加快速度,最後,再以圓滑線演練。
 
5) E大調第一把位最容易忘了 #Re 與 #So,練習時要多留意,用耳朵多聽旋律的音高,讓練習的準確效率發展出來。

1. 斷音 (staccato) 的演奏法
 
斷音,例如:  在四分音符下方加上一點。演奏時,以八分音符 + 八分休止符方式進行。正確的解讀是時值減一半,也就是以正常的八分音符應有的演奏法操作。
 
最常見的錯誤是誤以為要急促,所以操作時採煞車方式,音的不正常消逝,除了音樂性錯誤外,也造成聽者耳朵的適應問題。
 
2. 低調的紮實
 
第一部與第二部自 第53小節起進入一種 piano 式的漂渺,然而,演奏時聲音要微小,但,不失音色本身的質地,再怎麼小聲,都應是工整實在的聲音。這樣的呈現,才不失其角色。
 
若這一段沒有控制音量,則有搶主角風采的味道,在音樂素養裡是嚴重的失禮。
 
3. 指法與把位的採用
 
沒有絶對。酙酌推敲是思維的磨鍊與考驗。

1) 像宇宙的承載,平穩實在
 
第 53 - 56 小節,弓尖,每一運弓仔細,且保持平穩不離弦。
 
2) 練習時,數出休止符的拍子
 
在家練習,記得將休止符的拍子唸出來,特別是沒有數拍子習慣者,更應如此加強練習。(才能避免在團練時,成為安靜時的錯誤聲響...)
 
3) 長音練習
 
第 64 - 69 小節,有較長的發音。基本上,還是使用上半弓 (非全弓)。
為了使 "音" 能保持流動感,要有必要的 "音的變化處理"。一個音開始後,音應漸弱,到要換下一個音之後略轉強。
 
4) 十六分音符
 
例如: 第 79 - 81 小節,避免因為看到十六分音符而加快速度,反而要因為單位時間裡有更多的音符而以優閒地心境來平衡它較重的色彩。

1) 各部之音量與音質,要如懷石料理
 
份量恰到好處,視覺有美感,食之有味,均衡之美。
若將所有食材,一股腦全放,粗燥無潤飾,則破壞了整體美感。
 
2) 注意細節
 
就算音量再小,也要拉出顆粒感。否則,聽起來含糊,就顯得混亂。
 
3) piano 與 forte 要像冰與火的差異
 
是極強的對比與音樂表現。我們用的太少了,分不出太大的變化。
應特別強調二者間的不同。
 
4) 多聽本曲的錄音表現,邊讀譜,確實自己對各項細節都已經照顧到了。

1) 從容地發出具 "大氣" 的 Mi_So_Si
 
這三個音具備同等量的氣勢,莫做漸弱處理。
 
接著 So_La_Si ; So_La_Si 也一樣要粒粒分明,用弓平均。然而,錯誤的 So_La_Si 拉法是不夠平穩,而將 La_Si 隨意帶過,缺少應有的份量。
 
2) 多練習 "大中弓" 
 
上弓與下弓的弓速與弓壓要保持平均。
例如: 第 50 小節起的 Si_Si Do_Do Re_Re Mi_Mi ...
 
3) 巴哈採用 fade out 手法,是巴洛克時期少見的
 
例如: 第 18 小節,第 19 小節, 聲音要像飄到遠處一樣的消逝感。
例如: 第 36 小節,第37小節,然後,等到再度回到 "大氣" 的 So_La_Si。
 
4) 第 3 小節的 Fa_Si_Do_Re_Mi_Fa_So_La 之一股作氣
 
低音弦往高音弦走時,要保持應有的 tension,這樣,該有的氣勢才不會弱掉。就物理來說,是增強往高音弦走的力道,才能使往高音弦時保持與低音弦同等或漸強之感。
 
5) 第 53 小節起的小調,演奏色彩要隱約藏著悠悠之感... 這一處,或許是本曲最不容易表現其正確音樂性的地方。

1) 輕鬆恬靜但帶有力道的運弓
 
第 53 小節起... 再一次,強調不躁不搶進不突出的心理狀態,郤要保有力道而非鬆散無緊要,這是考驗修為的體驗。
 
2) 音樂進行,當獨奏成為伴奏時...
 
那麼,各聲部的表現應像是 "另一名" 合奏者,即,音量與音樂表現就如同獨奏者的另一個合奏對象。(否則,集體音量大於獨奏者時,將重重地破壞音樂的和諧與平衡。
 
3) 仔細聽獨奏者每一段落,並跟在正確拍子上
 
這是合奏的挑戰。除了練習時,應加強核對音符的時值外;合奏時,應打開耳朵,配合獨奏者的行進拍子,才能達到 "合奏" 的境地。

1) 同理,傾聽,並且跟隨
 
如果在選擇 "忙於看音符演奏" 和 "少演奏一些,多些聆聽",那麼,後者並沒有因為少演奏一些而離開了音樂,反而是一直在音樂之中。
 
意即,合奏時,若對自己的節奏或音準有不確定時,小聲一點或演奏自己確定的部份,其他空間,張開耳朵多聽聽其他伙伴或其他聲部正在進行的旋律。當有意識到並聽到其他人的琴音時,才真正進入合奏,融入音樂之中。
 
2) 音符少的,要多讓音符多的
 
常見於第二部的音符少的,多讓音符多的獨奏者。在音量控制與拍子拍點的專注,更是應該以配合者的角色進行。

 

 

 


 

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